1. Dramatische Werbefotografie als meine Handschrift
Wenn ich als Werbefotograf arbeite, geht es mir nicht nur darum, ein perfektes Bild zu machen. Meine Mission ist es, Geschichten zu erzählen – mit Licht, Schatten, Inszenierung und Haltung. In meinen aktuellen Arbeiten zur Werbefotografie in Wien setze ich auf dramatisches Storytelling, um nicht einfach Produkte oder Personen darzustellen, sondern eine Atmosphäre zu erschaffen, die intensiv, geheimnisvoll und hochglamourös wirkt.

2. Wien als Bühne für Eleganz und Vision
Wien ist für mich ein unerschöpflicher Inspirationsraum. Die Stadt verbindet prunkvolle Tradition mit moderner Avantgarde und bietet damit den idealen Nährboden für meine Fotografie. In dieser Serie habe ich mich von viktorianischen Einflüssen inspirieren lassen: dunkle Schleier, die einen Hauch von Mystik verleihen, Anspielungen auf schwarze Rosen als Symbol für Schönheit und Vergänglichkeit, sowie das Spiel mit Chiaroscuro, also starken Hell-Dunkel-Kontrasten, die Spannung und Dramatik erzeugen.

3. Glamour durch visuelle Details
Die roten Lippen meiner Models sind ein bewusst gesetzter Akzent – sie stehen für Sinnlichkeit, Stärke und Verführungskraft. Kombiniert mit makelloser Haut, glänzenden Texturen und dem Einsatz von funkelnden Kristall-Accessoires entstehen Bilder, die in ihrer visuellen Intensität kaum zu übertreffen sind. Die sinnlichen Posen, gleichzeitig streng und verführerisch, verstärken die hochglamouröse Wirkung und lassen die Models wie Ikonen wirken.

4. Retrofuturismus als Kontrast zur Nostalgie
Neben den viktorianischen Anklängen spielt auch der Retrofuturismus eine zentrale Rolle. Kristallbesetzte Masken, metallische Reflexe und großflächige, fast skulpturale Brillen bringen eine futuristische Dimension in die Bilder. Dieses Spannungsfeld zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Nostalgie und Vision, macht für mich den Reiz dieser Ästhetik aus. Es ist, als würde ich zwei Epochen in einem einzigen Bild miteinander verschmelzen.

5. Storytelling mit Mode, Accessoires und Posen
Für mich sind Kleidung, Accessoires und Makeup keine bloßen dekorativen Elemente, sondern narrative Werkzeuge. Eine funkelnde Gesichtsmaske erzählt von Geheimhaltung und Distanz, während schwarze Handschuhe Eleganz und Macht symbolisieren. In Kombination mit den dunklen Schleiern und den theatralischen Lichtinszenierungen erschaffe ich Bilder, die mehr sind als Werbung – sie sind visuelle Dramen, die Emotionen wecken und Marken eine unverwechselbare Identität verleihen.

6. Mein Fazit: Wien als Epizentrum des visuellen Dramas
Ob in der Modefotografie, im Luxussegment oder in Werbekampagnen für internationale Marken: Mein Ziel ist es, mit meiner Fotografie eine Bühne zu eröffnen, die Betrachter sofort in eine andere Welt versetzt. Wien bietet mir dafür die perfekte Kulisse – eine Stadt, in der viktorianische Eleganz auf futuristische Visionen trifft. Mit meinen Bildern erschaffe ich eine Bildsprache, die dramatisches Storytelling, Sinnlichkeit und Hochglamour verbindet – und Werbefotografie zu einer Kunstform erhebt.

7.Bereit für visuelles Storytelling, das Ihre Marke unvergesslich macht?
Als Fotograf in Wien habe ich mich auf dramatische Werbefotografie spezialisiert, die durch emotionalem, kraftvollem Storytelling überzeugt. Mein Anspruch ist es, nicht nur Fotos zu liefern, sondern vollständige visuelle Kampagnen zu gestalten, die Marken kraftvoll inszenieren und Zielgruppen nachhaltig erreichen. Ob für Modekampagnen, Luxusprodukte oder Branding Kampagnen – ich erschaffe Bilder, die nicht nur ästhetisch beeindrucken, sondern auch Geschichten erzählen, die im Gedächtnis bleiben.

Kontaktieren Sie mich jetzt, um Ihre Marke mit  in Szene zu setzen.

Diese fotografische Arbeit, konzipiert im Rahmen einer Modekampagne für Andreas Stollnberger, begreift Wien nicht nur als geographischen, sondern als semantischen Raum, der sich durch Spannungen, Brüche und kulturelle Schichtungen definiert. Die Bildsprache verzichtet bewusst auf eine lineare oder affirmativ-stilistische Erzählung zugunsten einer Ästhetik der Ambivalenz.

2.Barock trifft Brutalismus: Ikonographische Gegenüberstellung in der Modefotografie

Das Projekt operiert mit einer ikonographischen Gegenüberstellung: die visuelle Rhetorik des Barock – Ausdruck höfischer Prachtentfaltung und performativer Repräsentation – wird in einen Dialog mit der rohen Monumentalität der Wotruba-Kirche gesetzt, einem Schlüsselwerk des österreichischen Brutalismus. Dieser Kontrast evoziert nicht nur unterschiedliche Epochenästhetiken, sondern verweist auf divergierende gesellschaftliche Ordnungen und Formen von Subjektivierung.

3.Extravaganz als strukturierendes Prinzip in Mode und Kultur

Extravaganz fungiert innerhalb dieser Konzeption nicht als oberflächliches Stilmittel, sondern als strukturierendes Prinzip einer diskursiven Gegenüberstellung. In ihrer etymologischen Wurzel als „Hinausgehen über das Gewöhnliche“ impliziert sie stets das Vorhandensein eines normativen Rahmens, den sie überschreitet und somit sichtbar macht. In diesem Sinne wird Mode hier nicht als autonomes Designobjekt inszeniert, sondern als semiotisches Vehikel, das soziale Codierungen, historische Referenzen und Identitätsdiskurse überlagert.

4.Kontrast zwischen Textilkunst und brutalistischer Architektur

Der Kontrast zwischen der dekorativen Textiloberfläche und der brutalistischen Architektur artikuliert ein Spannungsfeld, das die Dispositive von Repräsentation und Realität in Frage stellt. Mode erscheint damit nicht als ornamentale Ergänzung, sondern als kritisches Medium kultureller Reflexion.

5.Das Kleid als mobile Leinwand: Inszenierung von Identität in der Fotografie

In den vorliegenden Bildern verdichten sich diese theoretischen Setzungen zu einer bildhaften Dialektik. Das Kleid fungiert als mobile Leinwand – eine malerisch anmutende Oberfläche, die Natur und Geschichte gleichermaßen evoziert. Seine Platzierung inmitten einer von Beton dominierten Architektur verweist auf einen Antagonismus zwischen organischer Entfaltung und rationalistischer Reduktion.

6. Lichtführung, Bewegung und Subjektivität in der Modefotografie

Die Lichtführung, das Spiel mit dem natürlichen Umfeld sowie die gezielte Inszenierung von Bewegung und Blick erzeugen eine Atmosphäre, in der das Subjekt nicht passiv dargestellt, sondern als aktiv imaginierende Instanz verhandelt wird. Die Serie liest sich somit als visuelles Essay über die kulturelle Konstruktion von Identität, das mit Mitteln der Modefotografie komplexe Diskurse über Erinnerung, Raum und Gender performativ sichtbar macht.

So entsteht ein visuelles Paradox: romantisch und rau, klassisch und kühn – eine Allegorie auf das Wienerische selbst, das zwischen Pracht und Protest oszilliert.

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1. Der Ausgangspunkt: Wien als psychologischer Raum

Hrubys Sprache trägt eine spezifisch Wiener Signatur:
eine Form von Weltschmerz, der sich nie offen zeigt, sondern sich hinter schneidender Ironie und beiläufiger Derision verbirgt.

Diese Spannung – zwischen existenzieller Schwere und spielerischer Grausamkeit – wurde zum konzeptionellen Kern der Inszenierung.

Eine Figur, die gleichzeitig predigt und persifliert.
Ein Prophet, dem man nicht trauen sollte.

2. Visuelle Konstruktion: Macht, Licht, Ironie

Meine Arbeit beginnt stets mit kultureller Dekonstruktion:
Welche Bilder tragen Autorität?
Welche Gesten erzeugen Bedeutung?
Und ab welchem Punkt kippt Ehrfurcht in Absurdität?

Für diese Serie griff ich auf Bildstrategien der europäischen Kunstgeschichte zurück – insbesondere auf die visuelle Rhetorik der italienischen Meister:

• Chiaroscuro als Mittel der Hierarchisierung

• Licht als Träger von Bedeutung, nicht nur als Beleuchtung

• Drapierte Hintergründe als visuelles Machtinstrument

• Pose als rhetorische Geste

Diese Elemente bilden die Grundlage meiner inszenierten Porträtfotografie in Wien, die sich bewusst zwischen klassischer Malerei und zeitgenössischem Editorial bewegt.

3. Bruch als Methode: Subversion innerhalb der Ästhetik

Doch Autorität interessiert mich nur als Ausgangspunkt – nicht als Ziel.

Innerhalb dieser bewusst konstruierten Bildsprache setze ich gezielte Störungen:

• banale oder absurde Requisiten

• popkulturelle Fragmente

• narrative Widersprüche

Ein „Prophet“, dessen heilige Schriften in einem alten Aktenkoffer griffbereit sind.
Ein Wanderprediger, der Ihnen überteuerten Unsinn verkauft.

In diesen absurden Kontrasten entsteht das eigentliche Bild:
nicht als Illustration, sondern als Bedeutungsträger.

4. Narrative Porträtfotografie als Positionierung

Diese Arbeit steht exemplarisch für meinen Ansatz als kommerzieller Fotograf in Wien für Marken, Künstler und kulturelle Institutionen, die mehr suchen als reine Sichtbarkeit.

Ich entwickle visuelle Konzepte, die:

• kulturelle Referenzen aktivieren

• archetypische Bildmuster nutzen

• und diese gleichzeitig unterlaufen

Das Ergebnis sind Charkterporträts und Headshots mit erzählerischer Tiefe, die nicht nur zeigen, sondern einordnen, überhöhen und irritieren.

5. Für wen diese Art von Bildsprache funktioniert

Diese Form der inszenierten Porträtfotografie in Wien richtet sich an kreative Persönlichkeiten und Marken, die sich nicht über Austauschbarkeit definieren:

• Autor:innen und Künstler:innen mit klarer Stimme

• Fashion- und Lifestyle-Brands im gehobenen Segment

• kulturelle Institutionen mit kuratorischem Anspruch

6. Zusammenarbeit

Wenn Sie nicht einfach fotografiert werden möchten, sondern als visuelle Idee inszeniert werden wollen,
wenn Ihr Auftritt mehr sein soll als Präsenz – nämlich Haltung, dann freue ich mich über Ihre Anfrage.