1. Dramatische Werbefotografie als meine Handschrift
Wenn ich als Werbefotograf arbeite, geht es mir nicht nur darum, ein perfektes Bild zu machen. Meine Mission ist es, Geschichten zu erzählen – mit Licht, Schatten, Inszenierung und Haltung. In meinen aktuellen Arbeiten zur Werbefotografie in Wien setze ich auf dramatisches Storytelling, um nicht einfach Produkte oder Personen darzustellen, sondern eine Atmosphäre zu erschaffen, die intensiv, geheimnisvoll und hochglamourös wirkt.

2. Wien als Bühne für Eleganz und Vision
Wien ist für mich ein unerschöpflicher Inspirationsraum. Die Stadt verbindet prunkvolle Tradition mit moderner Avantgarde und bietet damit den idealen Nährboden für meine Fotografie. In dieser Serie habe ich mich von viktorianischen Einflüssen inspirieren lassen: dunkle Schleier, die einen Hauch von Mystik verleihen, Anspielungen auf schwarze Rosen als Symbol für Schönheit und Vergänglichkeit, sowie das Spiel mit Chiaroscuro, also starken Hell-Dunkel-Kontrasten, die Spannung und Dramatik erzeugen.

3. Glamour durch visuelle Details
Die roten Lippen meiner Models sind ein bewusst gesetzter Akzent – sie stehen für Sinnlichkeit, Stärke und Verführungskraft. Kombiniert mit makelloser Haut, glänzenden Texturen und dem Einsatz von funkelnden Kristall-Accessoires entstehen Bilder, die in ihrer visuellen Intensität kaum zu übertreffen sind. Die sinnlichen Posen, gleichzeitig streng und verführerisch, verstärken die hochglamouröse Wirkung und lassen die Models wie Ikonen wirken.

4. Retrofuturismus als Kontrast zur Nostalgie
Neben den viktorianischen Anklängen spielt auch der Retrofuturismus eine zentrale Rolle. Kristallbesetzte Masken, metallische Reflexe und großflächige, fast skulpturale Brillen bringen eine futuristische Dimension in die Bilder. Dieses Spannungsfeld zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Nostalgie und Vision, macht für mich den Reiz dieser Ästhetik aus. Es ist, als würde ich zwei Epochen in einem einzigen Bild miteinander verschmelzen.

5. Storytelling mit Mode, Accessoires und Posen
Für mich sind Kleidung, Accessoires und Makeup keine bloßen dekorativen Elemente, sondern narrative Werkzeuge. Eine funkelnde Gesichtsmaske erzählt von Geheimhaltung und Distanz, während schwarze Handschuhe Eleganz und Macht symbolisieren. In Kombination mit den dunklen Schleiern und den theatralischen Lichtinszenierungen erschaffe ich Bilder, die mehr sind als Werbung – sie sind visuelle Dramen, die Emotionen wecken und Marken eine unverwechselbare Identität verleihen.

6. Mein Fazit: Wien als Epizentrum des visuellen Dramas
Ob in der Modefotografie, im Luxussegment oder in Werbekampagnen für internationale Marken: Mein Ziel ist es, mit meiner Fotografie eine Bühne zu eröffnen, die Betrachter sofort in eine andere Welt versetzt. Wien bietet mir dafür die perfekte Kulisse – eine Stadt, in der viktorianische Eleganz auf futuristische Visionen trifft. Mit meinen Bildern erschaffe ich eine Bildsprache, die dramatisches Storytelling, Sinnlichkeit und Hochglamour verbindet – und Werbefotografie zu einer Kunstform erhebt.

7.Bereit für visuelles Storytelling, das Ihre Marke unvergesslich macht?
Als Fotograf in Wien habe ich mich auf dramatische Werbefotografie spezialisiert, die durch emotionalem, kraftvollem Storytelling überzeugt. Mein Anspruch ist es, nicht nur Fotos zu liefern, sondern vollständige visuelle Kampagnen zu gestalten, die Marken kraftvoll inszenieren und Zielgruppen nachhaltig erreichen. Ob für Modekampagnen, Luxusprodukte oder Branding Kampagnen – ich erschaffe Bilder, die nicht nur ästhetisch beeindrucken, sondern auch Geschichten erzählen, die im Gedächtnis bleiben.

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Seit 2015 arbeite ich als vielseitiger Fotograf für Mode, People und Fine Art in Wien, Österreich, wo ich zudem ein Masterstudium in Sozial- und Kulturanthropologie abgeschlossen habe. Mit einem soliden Hintergrund in den Sozialwissenschaften ergänze ich meine technischen Fähigkeiten um ein tiefes Verständnis für kulturelle Ausdrucksformen, die Jung’sche Psychologie und das, was ich die sich ständig verändernde Landschaft des globalisierten Imaginären nenne. Auf dieser Basis plane und inszeniere ich aufwendige Produktionen in den Bereichen Mode, Fine Art und Glamour. Ich breche gerne die Grenzen zwischen Kategorien auf und nutze Techniken von Mode- über experimentelle bis hin zu dokumentarischer, Streetstyle- oder kommerzieller Fotografie – und verwebe sie zu komplexen, beinahe theatralischen Szenen. Meine Bildsprache ist bevorzugt „geskriptet“ oder „konstruiert“. Das hängt mit meiner Überzeugung zusammen, dass Objektivität in der Fotografie im Kern irreführend ist – es gibt nur Subjektivität, wir erschaffen Fantasien.

Die Ästhetik meiner fotografischen Arbeiten lässt sich in drei Elemente fassen: emotionales Storytelling, inszeniert mit dramatischem Licht und extravaganten Sujets.

Das für das Cover dieser Ausgabe ausgewählte Bild ist Teil einer größeren Serie, die sich mit den komplexen Identitäten anderer Kreativer auseinandersetzt – vieler von ihnen, so wie ich selbst, Migrant:innen, die in Wien leben und arbeiten. Die Portraits sind reich an symbolischer Bedeutung, die auf den ersten Blick klischeehaft erscheinen mag, jedoch eine tiefe persönliche Relevanz birgt – für Menschen, die sich aus unterschiedlichsten, teils widersprüchlichen kulturellen Repertoires Identitäten zusammensetzen, welche Vergangenheit, Gegenwart und imaginierte Zukünfte umfassen.

Meine Arbeiten wurden beim Landeswettbewerb der Berufsfotografen Wien, beim FEP Professional Photographer of the Year Award sowie beim Vienna International Photo Award ausgezeichnet. Ausstellungen meiner Werke fanden unter anderem in der Galerie LIK, der five art plus gallery, der CITYgallery in Wien sowie in der Brick Lane Gallery in London statt.

Darüber hinaus wurden meine Arbeiten für Ausstellungen bei folgenden Fotofestivals ausgewählt: F1 Grand Prix Art Weekend Singapur, Venice International Summer Academy, Rotterdam International Art Fair, Swiss Photo Club, FOMO Graz.

Als produktiver Fotograf veröffentliche ich meine Arbeiten regelmäßig in internationalen Mode- und Fotomagazinen. Wenn ich nicht gerade an einem neuen Editorial-Projekt oder an einer Ausstellung arbeite, unterrichte ich Fotografie-Masterclasses sowie Einsteigerkurse an der LIK Akademie für Fotografie und Design in Wien und Linz. Zudem nehme ich an Podiumsdiskussionen zu Themen rund um Bild, Imaginäres, Fotografie und Mode teil und hinterfrage dabei den Status quo unserer Beziehung zu diesem Medium und seiner Geschichte. Mein letzter Vortrag unter dem Titel „Initiates of the Inner Circle – Fashion Photography as a New Mythogenetic Tool“ fand in Palermo, Italien, statt.

Da ich mich selbst als kreativen „Gun for Hire“ verstehe, werde ich auch in Zukunft jede bedeutungsvolle Geschichte erzählen wollen, die es zu erzählen gilt – mit meinen charakteristischen, dramatischen, emotionalen und extravaganten Bildern.

Diese fotografische Arbeit, konzipiert im Rahmen einer Modekampagne für Andreas Stollnberger, begreift Wien nicht nur als geographischen, sondern als semantischen Raum, der sich durch Spannungen, Brüche und kulturelle Schichtungen definiert. Die Bildsprache verzichtet bewusst auf eine lineare oder affirmativ-stilistische Erzählung zugunsten einer Ästhetik der Ambivalenz.

2.Barock trifft Brutalismus: Ikonographische Gegenüberstellung in der Modefotografie

Das Projekt operiert mit einer ikonographischen Gegenüberstellung: die visuelle Rhetorik des Barock – Ausdruck höfischer Prachtentfaltung und performativer Repräsentation – wird in einen Dialog mit der rohen Monumentalität der Wotruba-Kirche gesetzt, einem Schlüsselwerk des österreichischen Brutalismus. Dieser Kontrast evoziert nicht nur unterschiedliche Epochenästhetiken, sondern verweist auf divergierende gesellschaftliche Ordnungen und Formen von Subjektivierung.

3.Extravaganz als strukturierendes Prinzip in Mode und Kultur

Extravaganz fungiert innerhalb dieser Konzeption nicht als oberflächliches Stilmittel, sondern als strukturierendes Prinzip einer diskursiven Gegenüberstellung. In ihrer etymologischen Wurzel als „Hinausgehen über das Gewöhnliche“ impliziert sie stets das Vorhandensein eines normativen Rahmens, den sie überschreitet und somit sichtbar macht. In diesem Sinne wird Mode hier nicht als autonomes Designobjekt inszeniert, sondern als semiotisches Vehikel, das soziale Codierungen, historische Referenzen und Identitätsdiskurse überlagert.

4.Kontrast zwischen Textilkunst und brutalistischer Architektur

Der Kontrast zwischen der dekorativen Textiloberfläche und der brutalistischen Architektur artikuliert ein Spannungsfeld, das die Dispositive von Repräsentation und Realität in Frage stellt. Mode erscheint damit nicht als ornamentale Ergänzung, sondern als kritisches Medium kultureller Reflexion.

5.Das Kleid als mobile Leinwand: Inszenierung von Identität in der Fotografie

In den vorliegenden Bildern verdichten sich diese theoretischen Setzungen zu einer bildhaften Dialektik. Das Kleid fungiert als mobile Leinwand – eine malerisch anmutende Oberfläche, die Natur und Geschichte gleichermaßen evoziert. Seine Platzierung inmitten einer von Beton dominierten Architektur verweist auf einen Antagonismus zwischen organischer Entfaltung und rationalistischer Reduktion.

6. Lichtführung, Bewegung und Subjektivität in der Modefotografie

Die Lichtführung, das Spiel mit dem natürlichen Umfeld sowie die gezielte Inszenierung von Bewegung und Blick erzeugen eine Atmosphäre, in der das Subjekt nicht passiv dargestellt, sondern als aktiv imaginierende Instanz verhandelt wird. Die Serie liest sich somit als visuelles Essay über die kulturelle Konstruktion von Identität, das mit Mitteln der Modefotografie komplexe Diskurse über Erinnerung, Raum und Gender performativ sichtbar macht.

So entsteht ein visuelles Paradox: romantisch und rau, klassisch und kühn – eine Allegorie auf das Wienerische selbst, das zwischen Pracht und Protest oszilliert.

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